Hierauf könnt Ihr Euch in diesem Jahr freuen !
A pioneer of rock violin and former member of the ground-breaking ‘Larks’ Tongues in Aspic’ incarnation of King Crimson, David Cross accepts no limits on the range and power of his instrument or his music. David is a prolific creator with a great range of albums to his name from both the David Cross Band (DCB) and his solo work, collaborations and guest appearances. He has toured in Europe, the USA, Japan and South America, and with the DCB he has developed a truly progressive stage act delivering up to date, hard-edged rock songs with heart and technical prowess.
The band continues to amaze and delight contemporary audiences, playing material from David’s time with King Crimson (always with a DCB twist to them), classics from previous years and new material to be released in 2026. Larks‘ Tongues In Aspic, King Crimson’s fifth studio album was released in March 1973 marking a radical departure from everything they’d previously done. For the last three years DCB have presented this album in its entirety and are pleased to welcome Jeremy Stacy who has toured extensively with the last incarnation of King Crimson to contribute his understanding of both this album and a selection of other King Crimson tracks to the band’s repertoire.
The David Cross Band line-up:
David Cross: Electric violin
Initially inspired by Leadbelly, the Beatles, Bartok, Coltrane and his church-organist father, David became an irrepressible improvisor and experimenter. His subsequent immersion in rock music with King Crimson introduced him to a new, vast pool of expressive possibilities. Currently, he plays a half-fretted Violectra electric violin with 5 strings and an octave drop pedal, giving him a pitch range from the bottom of the cello to the top of the violin.
Sheila Maloney: Keyboards
Sheila worked with the original David Cross Band, writing and co-producing tracks on the first three albums. As well as creating her own music as the artist Darkfish, she has produced and played keyboards on Mick Paul’s “Parallel Lives” and currently writes and plays keyboards for “The Fae”. She also recorded with Geoff Serle on Radius and Sonicphonics studio projects, and alongside Patrick Moraz and others on the Rime of the Ancient sampler mellotron album.
Rob Tew: Guitar
Rob is the newest addition to the band with experience in studios and live work across the world as a session musician and live performer. Having grown up listening to prog, and in articular King Crimson, he is enjoying adding his own take to the iconic tracks.
Mick Paul: Bass Guitar and lead vocals
Mick joined the David Cross Band in 1995, recording the album ‘Exiles’ featuring members of King Crimson, including Robert Fripp and John Wetton. He has co-produced, sung and played on all the DCB’s releases since then and performed with the band in the USA, Europe, Latin America and Japan. In June 2021 Mick released his own album ‘Parallel Lives’. His most asked question is ‘how many strings does your bass have’?
Jeremy Stacey: Drums and percussion
With a varied career and a level of work that demands he keeps kits ready for use on both sides of the Atlantic, Stacey’s background in jazz and rock is long and deep, performing and recording with artists as diverse as King Crimson, Noel Gallagher, Chris Squire, Mark Wingfield, The Waterboys, Neil Diamond, Ryan Adams, Gilbert O‘ Sullivan, Roger Daltrey, Steven Wilson and Tom Jones. Jeremy continues to be an in-demand player and can often be found playing Ronnie Scotts with his acclaimed Steely Dan big band outfit, The Royal Scammers.
BRÖSELMASCHINE ist dynamischer und progressiver Rock mit Folk- und psychedelischem Einfluss.
Mit BRÖSELMASCHINE steht nicht nur ein Stück deutscher Rockgeschichte auf der Bühne. Die Gruppe beweist auch gegenwärtig, wie energiegeladen und dynamisch, progressive Rockmusik mit Folk- und psychedelischen Einflüssen klingen kann!
Ende der sechziger Jahre gehörte BRÖSELMASCHINE zu den ersten deutschen Rockbands. Heute zählt die Formation um Peter Bursch zu den ältesten aktiven Rockbands Deutschlands, die weltweit seit über 50 Jahren ihre Fangemeinde mit Konzerten begeistert.
Im Jahr 2005 gab die Gruppe nach einer Pause im legendären WDR Rockpalast ein erfolgreiches Comeback-Konzert. Dieses wurde zusammen mit einem Mitschnitt beim Burg Herzberg-Festival sowohl auf CD als auch DVD festgehalten, und sind beim Herzberg-Verlag erschienen, im Vertrieb von inakustik. Ein grandioses Live-Dokument!
2017 gab es endlich ein neues Studio-Album INDIAN CAMEL bei MIG Records. Es erreichte Platz 15 der Charts.
2018 erschien die BRÖSELMASCHINE BOX „It Was 50 Years Ago Today“ mit 5 CDs und 2 DVDs mit vielen Outtakes, allen WDR Rockpalast-Konzerten und vieles mehr. Ein Lebenswerk!
Zu Beginn der Pandemie 2020 ist das neue Album ELEGY bei MIG RECORDS weltweit erschienen.
2021 spielte die Band ein besonderes WDR Rockpalast Konzert in der Zeche Heinrich-Robert in Hamm.
Since reforming in 2016, with the blessing of band founder Vincent Crane’s widow, ATOMIC ROOSTER , with their early 70’s heyday guitar player STEVE ‚BOLTZ‘ BOLTON at the helm the band have gone from strength to strength playing scores of festivals in the UK and Europe and frequently touring to a steadily growing fanbase.
Aside from their two 70’s UK and USA chart hits, DEVIL’S ANSWER and TOMORROW NIGHT, ‚Rooster are also much acclaimed for at least two classic proto-metal-gothic-prog albums in the shape of the legendary ‚DEATH WALKS BEHIND YOU‘ album from 1970 and ‚IN THE HEARING OF…‘ released the following year. Both these albums plus the following ‚MADE IN ENGLAND‘ with Chris Farlowe on vocals and Steve Bolton on guitar (not to mention SPINAL TAP’s legendary drummer RICK PARNELL on drums!) have firmly established ATOMIC ROOSTER at the vanguard of British Progressive music.
The current line-up draw heavily on these early classics as well as new material from their forthcoming album ‚CIRCLE THE SUN‘ to be released On Esoteric Recordings/Cherry Red Records on October 10th 2025 and debuted live on their October- November European Tour
PERSONEL STEVE ‚BOLTZ‘ BOLTON – Guitar and Vocals – Steve’s CV is pretty epic. Successfully auditioning as a teenager for the Atomic Rooster job, following that he played with – in no particular order – Belinda Carlisle, 6’3“, Vampire Bats, Scott Walker, Paul Youngs Royal Family, including playing on and touring behind the 80’s mega-hit album NO PARLEZ. He toured the world playing guitar with THE WHO for two years and can claim to have been deafened by JOHN ENTWISTLE’S vast bass rig. He’s played with Iggy Pop, Chris Isaak, Lemmy, Bob Dylan, blues legend HUBERT SUMLIN, Richard Strange, he’s toured America with John Otway, jammed with Keith Richards and Steve Jordan. He currently plays with his own band DEAD MAN’S CORNER, does many solo shows, is a talented and humourous raconteur and has taught guitar and stagecraft at the School of Rock in London.
ADRIAN GAUTREY – Keyboards and Vocals- Adrian is cut from superior cloth to most musicians. A profoundly gifted musician and singer, Adrian is well beyond proficient on keys, guitar and pedal steel. He regularly tours with, among many others, USA blues chanteuse SARI SCHORR, Hollywood A-lister KEIFER SUTHERLAND, Huey Morgan’s FUN LOVING CRIMINALS, Liverpool legend PETE WYLIE. Last year he played Hammond and piano on ROBIN TROWER’S most recent album. He plays many, many sessions as well as shows with his own ADRIAN GAUTREY BAND. Since the departure in 2023 of Peter French he has taken over the vocal role in ATOMIC ROOSTER to great effect
SHUG SPENCER – Bass. Joined Rooster when they first got back together in 2016. Was in the late DENNY LAINE’S band, played with the NEW AMEN CORNER, worked with world class drummer GED LYNCH ( Peter Gabriel, Goldfrapp, Clannad, Black Grape, Dave Gilmour, Imagined Village and many more. Bass player with the lamented HIDING MAGPIES, FRUITLESS FOREST, THE MIGHTY REVELATORS, THE CHEATING HEARTS and many, many more.
PAUL EVERETT -DRUMS – Paul is a Liverpool-born drummer whose career spans international touring, studio work, and television. A multi-award-winning musician, Paul is the current drummer with Atomic Rooster He has also been a member of bands that toured with The Killers, The Who, and Mötley Crüe, cementing his reputation as a powerhouse live performer.
and has collaborated with an array of artists including members of The Searchers, The Monkees, Chris Montez, Pete Wylie and The Mighty Wah!, and Liverpool legend Gerry Marsden. Internationally, he has performed with Canada’s Blackie and the Rodeo Kings and regularly works with elite session collectives for private events across Europe.
As resident drummer at Liverpool’s world-famous Cavern Club, Paul Everett remains a cornerstone of the city’s rich music scene.
The rock scene is rarely conducive to exporting the „language of Molière,“ as we know, but Lazuli erases all borders. The band has become France’s ambassador on the biggest international Progressive Rock stages. Their notes and words have become an universal language. The 5 guys stands out for its singularity and unusual instrumentation: marimba, French horn, bass, drums, guitars, vocals, and the invention of a unique instrument, the Léode.
Somewhere between rock, French chanson and world music, Lazuli’s atypical, dreamlike, and exploratory music leads us off the beaten path. Lazuli envisions its songs as canvases—mixing colors, depicting its world, or repainting it entirely. The lyrics question the ills of the present day. The airy, high-wire vocals, rich with wordplay, sing of humanity in all its forms and „deforms.“ One moment we are soaring, the next we are caught in a storm; time suspends, then accelerates…
LINE UP :
Claude LEONETTI Léode
Romain THOREL keyboards & French horn
Vincent BARNAVOL drums, perc & marimba
Arnaud BEYNEY guitar & bass
Dominique LEONETTI vocals, acoustic & electric guitars
Inga Rumpf – Vanja Sky – Dani Wilde – Stephan Graf – Gert Lange – Krissy Matthews – Reggie Worthy – Eddie Filipp – Frank Tischer u.a.
“Als wir 1982 nach einer mitternächtlichen Jamsession im legendären Hamburger „Onkel Pö“ spontan die HBB gründeten, hätten wir nie daran gedacht, dass es die Band über 40 Jahre später immer noch geben würde. Die Punk-Bewegung, New Wave und die so genannte Neue Deutsche Welle beherrschten zu dieser Zeit die Spielstätten und den Äther. Harte Fakten, die einem Unternehmen wie dem unseren nicht wirklich zuträglich waren. Heute, wo jeder etablierte Künstler dazu neigt ein Blues-Album zu veröffentlichen, fällt es schwer, sich die Ära der frühen 80er Jahre vorzustellen: Blues war damals ein Schimpfwort. Wir waren Outlaws – aber Teamplayer! Diese besondere Qualität hat sicherlich dazu beigetragen, die HBB als ernstzunehmenden Act zu etablieren. Bis heute empfinde ich es als großes Privileg, über einen so langen Zeitraum mit fantastischen Kollegen & unzähligen “special guests“ auf Tour sein zu können. Gert Lange, Frühjahr 2025
Anlässlich des “25. Woodstock Forever Festivals“ versammelt sich um die Band des oft mit Joe Cocker verglichenen Sängers Gert Lange die Crème de la Crème der Europäischen Blues-& Rockszene. Die HAMBURG BLUES BAND ist mit dem Bassisten Reggie Worthy (Ike & Tina Turner, Eric Burdon, Stoppok), Drummer Eddie Filipp (Sweet, Clem Clempson Band, Inga Rumpf) und dem Guitar-Shooting Star Krissy Matthews (Beth Hart: “This guy ist he real deal“) schon eine „Allstar Truppe“ für sich & wird an diesem Abend noch durch folgende Akteure verstärkt:
Grand Dame des Allstar-Gipfels Inga Rumpf hat sich in ihrer ellenlangen Karriere als Blues-, R&B- und Soulinterpretin einen Namen gemacht & feierte schon vor 5 Jahrzehnten internationale Erfolge, vor allem aber als Rocksängerin mit Frumpy und Atlantis. Der Rolling Stone nannte sie einmal “Deutschlands einzige Rock-, Soul- und Gospelsängerin von Weltklasseniveau“.
Vanja Sky ist Kroatiens Antwort auf Sheryl Crow und Norah Jones. Rasanter kann sich eine künstlerische Laufbahn kaum entwickeln. Fünf Jahre nachdem sie das Gitarrenspiel erlernt hatte nahm Vanja in Stantonville/Tennessee mit dem Grammy-prämierten Produzenten Jim Gaines ihr Debütalbum “Bad Penny“ auf. Gefolgt vom zweiten, deutlich rockigeren Album “Woman Named Trouble“, dass vom ROCKS MAGAZIN neben den Veröffentlichungen von AC/DC, Deep Purple, Bob Dylan und Bruce Springsteen als eine der besten im Jahr 2020 veröffentlichten Platten ausgewählt wurde!
Von der ikonischen Bühne der Londoner Royal Albert Hall bis hin zu den kenianischen Slums und sogar dem pulsierenden Times Square – Dani Wildes musikalische Reise umspannt Kontinente und Herzen. Seit 15 Jahren webt die britische Brit Blues Award Gewinnerin, Sänger- und Songwriterin ihren Sound durch die Landschaften Europas, Amerikas, Kanadas und Afrikas und hinterlässt überall eine unauslöschliche Spur.
Neben „The Double Vision“ ist Stephan Graf seit 2020 auch Member der „Band of Friends“ und begleitet die Original Band von Rory Gallagher als Gitarrist und Sänger auf ihren jährlichen Europatouren. „Band Of Friends“ wurde von Gerry McAvoy, dem langjährigen Bassisten und Wegbegleiter Rory Gallaghers, und Schlagzeuger Brendan O´Neill Ende der 90er Jahre gegründet, um an dessen musikalisches Lebenswerk zu erinnern. Für Stephan Graf war es die Erfüllung seines bisherigen musikalischen Lebenstraums.
Neben weiteren Überraschungsgästen wird Keyboarder Frank Tischer (Miller Anderson Band, Spencer Davis Group) die Supersession abrunden.
Eine extra für diese Nacht zusammengestellte Supersession – ein Kapitel Blues & Rock-Geschichte, einmalig in dieser Form. Alle zusammen Garant für eine musikalisch hochkarätige Nacht mit einem späten, fröhlichen Ende!
Die dynamischen Root-Rocker Siena Root sind wieder auf Tour und zwar mit einer rein akustischen Show. Seit ihren Anfängen hat diese vielseitig musikalisch inspirierte Band eine besondere Verbindung zum akustischen Sound.
Dieser reicht zurück bis zu „Rasayana“ auf ihrem Debütalbum A New Day Dawning, über das von indischen Klängen inspirierte Diferent Realities mit den „Rock-Ragas“ bis hin zum neuesten Album Revelation, das einige Stücke enthält, die vollständig akustisch geschrieben und aufgenommen wurden.
Diese Akustik-Tour ist die Gelegenheit, die Songs auf eine Weise zu erleben, die ihrer Entstehungsgeschichte am Nächsten kommt.
Die Show ist eine großartige Mischung aus akustischen Songs, kombiniert mit neu arrangierten Heavy-Rif-Klassikern in einem intimeren Format!
Strongly influenced by progressive, psychedelia, metal and evenjazz. That’s how these Argentines understand music. And thebrilliance of their music is greatly enhanced by a captivating scenicdisplay.
Their shows are magnetizing to audiences of the most diversemusic genres, enchanting their spectators and making theirimagination fly, immediately turning them into a big family ofinebriated people eager for more Fughu.
Several Argentinians have been famous for their skills and witticism,as well as their disruptive and seductive spirit. A few examples areMaradona, Piazzolla, Juan Manuel Fangio or Carlos Gardel. Ifthese guys had made rock music, surely it would have been similarto Fughu’s.
After having released four studio albums for internationaldistribution, they now come with their fifth and brand new record topresent to the audience.This year will see the band embark on their fourth European Tour, after having performed in the most diverse places, such as Austria,Spain, France, Belgium, Germany and Poland. This path that hasalready seen this poisonous blowfish shine along artists like SteveHackett, Dream Theater, Premiata Forneria Marconi, Sons OfApollo and more, will now see Fughu take to Europe their mostinspiring musical moment.
Wahre Kunst zeichnet sich bekanntlich vor allem durch ihre permanente Erneuerung aus, einer Kombination aus Bewährtem und Innovativem. Wie fast alle einflussreichen Acts der Musikgeschichte, die sich an dieser Goldenen Regel orientiert haben, beweisen auch die Dresdner Wucan mit ihrem aktuellen Album “Axioms” die Fähigkeit zur künstlerischen Weiterentwicklung.
Die vierköpfige Heavy-Rock-Formation um Bandleaderin Francis Tobolsky mischt auf “Axioms” die charakteristischen Merkmale ihrer drei bisherigen Studioscheiben “Sow The Wind” (2015), “Reap The Storm” (2017) und “Heretic Tongues‘“(2023) mit frischen Ideen und zeigt sich damit stilistisch breiter aufgestellt und konzeptionell ausdefinierter. Mit anderen Worten: Neben den erprobten Querverweisen an Hard-, Kraut- und Ost-Rock und Metal-Einflüssen kennzeichnet die aktuellen acht Songs eine zusätzliche Einfärbung von Progressive Rock über vereinzelte Electronic Elemente bis hin zu spielerischer Jazz-Attitüde.
„Die Basis unserer Musik ist internationaler Hard Rock der Siebziger mit zeitgemäßen Einflüssen, die diesmal noch etwas pompöser, brachialer und vielschichtiger ausgefallen sind.“ — Francis Tobolsky
Veröffentlicht wird “Axioms” am 29. August 2025 über ‚Long Branch Records/SPV‘. Bereits vorab werden vier Singles ausgekoppelt. Wie schon die Wucan-Alben der zurückliegenden zehn Jahre ist auch “Axioms” das Resultat einer engen kreativen Zusammenarbeit aller Bandmitglieder:
Francis Tobolsky (Gesang, Gitarre, Querflöte, Theremin)
Tim George (Leadgitarre, Synthesizer, Backing Vocals),
Philip Knöfel (Schlagzeug, Backing Vocals)
Alexander Karlisch (Bass)
Die stilistische Bandbreite reicht dabei vom Album-Opener “Spectres Of Fear”, der ein gewisses Faible für Bands wie Rainbow oder Yes durchblicken lässt und auf geschickte Weise klassischen Hard- und Prog-Rock mit typischen Wucan Spielweisen vereint, bis zum spürbar experimentelleren “KTNSAX”, der mit seinen raffinierten Electronic-Versatzstücken und dem ungewöhnlichen Titel (laut Francis „eine Art kryptischer Code für Allheilmittel und für Rauschzustände im Umgang mit Social Media“) sicherlich der ungewöhnlichste Song der neuen Scheibe ist.
Irgendwo in der Mitte dieser beiden Pole befindet sich “Holz auf Holz”, das nach Francis` Angaben „sehr organisch entstanden ist und ein wenig an Ostrock-Bands wie beispielsweise Renft erinnert. Inhaltlich geht er um die Art und Weise, wie sich im Osten Gedankengut verbreitet und dabei oft die Menschlichkeit auf der Strecke bleibt.“
Den finalen Startschuss zum Album-Release gibt dann Anfang August 2025 die vierte Single “Pipe Dreams”, eine temporeiche Hardrock-Nummer mit leichtem Black Sabbath-Flair und anspruchsvoller Riffgitarre.
Götz Widmann – Liedermacher, Anarcho – Poet, Partytier
Bekannt ist Götz Widmann vor allem für seine gnadenlos ehrlichen, vor Lebenslust sprühenden Partyhymnen wie „Heute mach ich einen drauf“, „Holland“ oder „Hank starb an ’ner Überdosis Hasch.“
Aber wer ihn nur darauf reduziert, verpasst die halbe Wahrheit: Mit Songs wie „Die zwei Trauben“, „Ich liebe mich“ oder „Romi“ hat er ein paar der schönsten deutschen Liebeslieder überhaupt geschrieben. Genau diese Mischung macht seine Konzerte so besonders: ungehemmte kollektive gute Laune mit Gänsehaut inklusive.
Götz Widmann ist alles andere als ein naiver Gutmensch, sein schwarzer Humor sucht seinesgleichen. Und doch feiern seine Lieder immer wieder die Liebe, das Miteinander und die Würde jedes einzelnen Menschen – kompromisslos, ohne falsche Tabus, manchmal rotzfrech, manchmal zärtlich. Mit einer fast prophetischen Gabe schreibt er seit über 30 Jahren Songs, die sich heute oft noch aktueller anfühlen als zu ihrer Entstehungszeit.
Typen wie Götz Widmann sind selten geworden, dabei wurden sie noch nie so sehr gebraucht wie jetzt. Solo live am allerbesten, ein lebensfroher, immer wieder frischer Mix aus Greatest Hits, lange nicht mehr gehörten Raritäten und brandneuen Highlights
Doctor Victor, Support-Act von AC/DC und Deep Purple, ist ein Power-Rock-Trio. An der Spitze steht Gitarrist, Sänger und Multiinstrumentalist Victor, ein Musiker, der das aktuelle Album 2nd Prescription komplett alleine in den legendären Abbey Road Studios in London eingespielt hat und Stipendiat des renommierten Berklee College of Music in Boston ist.
Doctor Victor traten als Support von AC/DC in Prag vor über 60.000 Fans auf. Seitdem standen sie mit Deep Purple, Jack White und weiteren Weltlegenden auf der Bühne. Diese Auftritte öffneten der Band die Türen zu Festivals und Tourneen in Deutschland, Großbritannien, den USA und Thailand.
Doctor Victor können Siege bei renommierten Wettbewerben wie dem John Lennon Songwriting Contest in New York, der Global Battle of the Bands in Thailand und dem Hard Rock Rising vorweisen. Darüber hinaus arbeitete die Band mit Musikern von Michael Jackson und Prince zusammen und nahm ein Album für den legendären Sänger der Band Nazareth, Dan McCafferty, auf.
Neben der Bühne gründete Victor die Doctor Victor Music Academy sowie das Bildungsprojekt Music Bus – Musikschule auf Rädern, das die internationale Musikszene mit jungen Talenten verbindet und der nächsten Generation Inspiration bringt.Dank einer Kombination aus Weltklasse-Referenzen, Erfahrungen von den größten Bühnen und unbändiger Energie gilt Doctor Victor als neue junge Hoffnung des Rock’n’Roll, die jedes Publikum mitreißt – die ideale Besetzung für Festivals und Clubs, die eine authentische Rockshow suchen.
Gitarre, Bass, Schlagzeug – die heilige Dreifaltigkeit des Rock’n’Roll. So sagt man zumindest.
Basement Saints pfeifen darauf und schleppen statt eines Bassisten eine Original Hammond-Orgel und zwei Leslies mit sich rum.
Überhaupt, ihre ganze Show wirkt wie aus den wilden Siebzigern. Man kriegt sofort Lust ohne Helm auf den Chopper zu steigen, filterlose Zigaretten zu rauchen und mit unrasierten Frauen zu karisieren.
Der Einfluss aus 70’s Rock’n’Roll und Southern Rock ist weder zu leugnen noch zu übersehen.
Nach 13 Jahren an durchzechten Nächten, gerissenen Saiten und fassweise Haarspülung ist ihre Leidenschaft für glühende Riffs und stampfende Grooves ungebrochen. Ihre Konzerte hinterlassen harte Nippel, ein donnerndes Pochen im Schädel und die nackte Wehmut – warum man nur so spät geboren wurde. Tamisiech.
Die Geschichte der Schweizer Rockband Basement Saints beginnt im Jahr 2012, als sie als Duo ins Leben gerufen wurde. Ihre musikalische Reise begann in einem Bandraum in Grenchen, dem einstigen Wirkungsort der legendären Band Krokus. Als lokalen Newcomer haben sich sich regelrecht hochgearbeitet über die letzen 10 Jahren mit auftritten am Montreux Jazz festival, Summerside Festival, Openair Etziken etc. plus support slot für bands wie Ten Years After, Uriah Heep, Manfred Mann´s Earth Band, Gotthard & The Cult.
2021 war das Jahr der Neuformierung für die Basement Saints! Mit dem Schlagzeuger Simon Moll und dem britischen Gitarristen Levent Basharan hat die Band ein Feuerwerk des musikalischen Fortschritts gezündet und ihr drittes Album „STIMULATION“ auf den Markt gebracht. Mit diesem Werk läuteten sie eine neue Ära ein, die bis heute anhält und immer wieder für Begeisterung sorgt.
Zur Unterstützung bei der Plattentaufe holten sie sich den virtuosen Hammond-Orgelspieler Robby Keys, ohne den sich weitere Konzerte kaum vorstellen liessen. Die Corona-Pandemie und der Brexit waren der Wendepunkt, der den Engländer wieder zurück nach England riss. In dieser Situation fand Basement Saints zwar keinen Gitarristen mehr, aber das war die Gelegenheit für Anton Delen, sich ins Zeug zu legen und das Gitarrespielen zu erlernen. Robby Keys übernahm mit seiner Hammondorgel die Hauptmelodien und Soli – was für ein unglaublicher Coup!
Im Oktober 2024 kam es endlich zur langersehnten Veröffentlichung ihres vierten Studioalbums „Down South“! Dieses Album ist ihr absolutes Meisterwerk! Die Medien und die Fans sind restlos begeistert.
«Die Band gehört im Moment zu den rattenschärfsten Liveacts der Schweiz.» – Ivy Wolfisberg
«Basement Saints haben das Format, um in die Fussstapfen der alten Schlachtrösser zu treten.» – Stefan Künzli – AZ Medien
«Die Basement Saints triumphierten mit ihrem satten Old-School-Rock und lieferten eine fantastische Show ab.» – ArtNoir, David Spring
Der Auftritt musste seitens der Band leider abgesagt werden. Wir versuchen, dass wir den Slot im nächsten Jahr beim WFE nachholen können.
Morgane Ji is the perfect example of the successful blending of multiple ancestry, as befits her native Réunion.
A volcanic temperament, with mysterious, African, Indian and Asian roots. As for her style and aesthetic approach, no-one has managed to put her into any pigeonhole.
She strives to create the unexpected, that’s her strong point.
An uncategorisable rock pop musician and practitioner of world electronic music, though immediately recognisable thanks to her unique voice – protean, raspy, soft, animal-like.
Her wide vocal range, melodic lines and shamanic cries offer spectators entertainment and excitement.
The Creole Queen, as the British press call her, seems to possess the key to a hidden dimension which connects ancient mystiques with modern technology.
Her performances feel like journeys through deep emotions and visual worlds.
On stage, Morgane Ji operates confidently a variety of electronic devices to create multiple sound layers for her voice and electric banjo.
Mystical and warlike, she strums the banjo, alternating between hypnotic bottleneck slides and technoid beats.
In conjunction with her musical partner in crime E.r.k. on the guitar, keyboard and samples, as well as the spectacular Olivier Carole on the bass and Mogan Cornebert with driving rhythms on the drums, the four-piece band produces an incredibly powerful and transparent sound which is hypnotizing and danceable at the same time.
With the energy of a high priestess of ceremony, Morgane Ji takes the audience with her through an unforgettable experience.
Morgane Ji has been working for many years in photography, graphics and a dream-like world of audio, which are complementary and inextricably linked. But it is only now, with the forthcoming release of her album “Woman Soldier” that she starts to receive far greater public attention.
In fact, many wonder how this voice has remained undiscovered until now by a wider audience.
The album title “Woman Soldier” encapsulates the fighting spirit of a fiercely independent female artist and pays tribute to the many battles women are involved in every day throughout the world.
Morgane Ji is here. The world is invited to discover one of the probably most amazing and talented female singer of our times.
Bekannt geworden mit ihrem Song „Don’t Forget“, spielen sich The Magic Mumble Jumble seit Jahren in die Herzen eines Publikums, das mehr sucht als nur den nächsten Refrain. Wer einmal bei einer Show des achtköpfigen Ensembles war, spürt sofort: Es geht um Gemeinschaft, um Leichtigkeit – und darum, sich dem Leben nicht nur zu stellen, sondern es auch zu feiern. Mit Musik, die Mut macht, und einem Sound, der verbindet, gilt das niederländische Kollektiv bereits seit Jahren als absoluter Live-Geheimtipp.
Mit ihrem neuen Album „Better Days“ veröffentlichen The Magic Mumble Jumble ihr bislang rundestes Werk – eine Platte, auf der vieles zusammenkommt: musikalische Offenheit und ein Sound, der so klar, warm und fokussiert klingt wie nie zuvor. Es ist der nächste logische Schritt für eine Band, die lange unter dem Radar lief – und nun bereit ist, größer zu denken. 2026 geht es damit erstmals auf eine ausgedehnte Release-Tour durch Deutschland – mit neuen Songs, auf größeren Bühnen, aber mit derselben Energie.
„Dancing ’cause we know we’re beautiful“ – diese Zeile aus der ersten Single „Beautiful“ (VÖ: 20.06.2025) steht nicht zufällig am Anfang dieser Reise. Ein Song über Menschlichkeit, Solidarität und das tiefe Gefühl von Verbundenheit, das entstehen kann, wenn wir aufeinander zugehen. Nicht als Pose, sondern als Haltung. Als Einladung, sich auf das einzulassen, was uns verbindet – und nicht auf das, was uns trennt.
Musikalisch präsentiert sich „Beautiful“ als vielstimmige Hymne mit luftigen Harmonien und leuchtenden Bläsern. Ein Song, der sich Zeit nimmt, der wächst, sich öffnet – und in einem Moment voller Licht explodiert. Die Energie: unmittelbar. Die Botschaft: klar. Ein Statement gegen rechte Ausgrenzung und für ein solidarisches Miteinander, das keine Herkunft, keine Sprache und keine Religion braucht – sondern nur ein offenes Herz.
Viele der Stücke auf „Better Days“ entstanden im Sommer zuvor auf einem alten Bauernhof in Süddeutschland. Zwischen Schreiben, Stille und Stallgeruch wuchs langsam die Idee für das Album. Produziert wurden die Songs von Robert Stephenson, der zuvor unter anderem mit Mighty Oaks, Fil Bo Riva und Von Wegen Lisbeth gearbeitet hat.
„Er hat uns geholfen zu verstehen, was wir schon immer waren – und wie das klingen kann“, sagt Sänger und Songwriter Paul Istance. Die Musik wirkt luftiger als auf den früheren Platten, zugleich aber auch klarer. Die Songs lassen Raum – für mehrstimmige Chöre, Bläser, leise Zwischentöne, aber auch für Themen, die größer sind, als man auf den ersten Blick vermuten würde.
The Magic Mumble Jumble beobachten mit ihren Songs eine Welt, die sich immer schneller dreht – und antworten darauf wie eh und je: mit offenen Armen und Musik, die verbindet statt trennt. „Better Days“ ist ihr bislang klarstes und zugleich vielseitigstes Album. Weil hier nicht nur Klänge, sondern auch Haltungen zusammenkommen. Nichts wirkt gewollt oder kalkuliert. Die Songs fließen ineinander, lassen Luft – und erzählen dennoch etwas. Über Gemeinschaft, über Mut, über das, was uns verbindet, wenn vieles gerade auseinanderfällt.
„Better Man“ ist so ein Song. Entstanden in Schweden, in einem Moment der Ruhe – irgendwo zwischen See und Beziehung. Paul schrieb ihn für die Frau, mit der er lebt – weil sie ihn zu einem besseren Menschen macht. Der Song selbst ist reduziert, fast beiläufig, doch die Lyrics sind umso ehrlicher:
„So many things I’ve never been, but feels like I’m a better man since I’m in love with you.“
„Child“ ist einer dieser Songs, die zunächst harmlos wirken – und sich dann unauslöschlich festsetzen.
„Don’t forget the child that lives in you“, singt Paul – kein plakativer Appell, sondern eine leise Erinnerung daran, dass auf dieser chaotischen Reise namens Leben immer jemand bei uns ist, auf den wir uns verlassen können.
Und dann ist da noch „Run Run“ – ein Song, der das Tempo dieser Zeit aufnimmt und schließlich ausbricht. Wie eine Welle, die sich aufbaut, größer wird und sich schließlich entlädt. Ein Lied über Rastlosigkeit und den Wunsch, der Dauerschleife zu entkommen.
„Time ain’t coming back“, singt Paul – und in seiner Stimme liegen Trost und Entschlossenheit zugleich.
„Better Days“ ist das bislang stärkste Statement, das The Magic Mumble Jumble gemacht haben. Keine große Geste, kein Konzeptalbum – eher ein offenes Tagebuch. Persönlich, verspielt. Wer sich darauf einlässt, wird mitgenommen – Song für Song, durch Höhen, Zweifel und diese besondere Art von Wärme, die bleibt, wenn der letzte Ton verklungen ist.
Wer verstehen will, warum das alles so klingt, wie es klingt, muss wissen, wo die Band herkommt. The Magic Mumble Jumble wurden in den Niederlanden gegründet – aus einem wilden Haufen Jazzstudent:innen, die lieber Songs schrieben als Skalen übten. Die ersten Shows: mit zwanzig Leuten im Bus, Tamburine in der Hand und viel Gemeinschaftsgefühl. Aus dem offenen Kollektiv ist über die Jahre ein festes Ensemble aus acht Musiker:innen geworden.
Seit ihrem Live-Debütalbum 2016 – aufgenommen mit über 60 Musiker:innen in den Niederlanden – ist viel passiert: eine gefeierte EP („We All Want Sunshine“, 2017), ein zweites Album („Show Your Love“, 2018, produziert von Tom Gelissen), ein Mitschnitt vom Herzberg-Festival (2019) mit 90 Minuten Live-Energie – und ein Song, der zum kleinen Streaming-Hit wurde:
„Don’t Forget“ zählt inzwischen über acht Millionen Plays. Vielleicht, weil dieser Song genau das transportiert, wofür die Band steht: Lebensfreude, Menschlichkeit – eine Wärme, die nicht laut sein muss, um zu bleiben.
Dass diese Energie live eine ganz eigene Form annimmt, merkt man sofort, wenn man einmal dabei war. Die Konzerte sind keine bloßen Aufführungen, sondern Zustände. Es gibt Abende, an denen die Posaunistin auf den Schultern des Sousaphonisten tanzt, an denen sich die Grenze zwischen Bühne und Publikum auflöst – und ein Gefühl echten Miteinanders entsteht.
Mit dem neuen Album „Better Days“ geht es erstmals auf Release-Tour durch acht Städte. Die Clubs fassen 500 bis 700 Menschen – die bislang größte Tour der Band. Und doch wirkt sie nicht größenwahnsinnig, sondern wie der genau richtige Schritt. Denn wer je bei einem ihrer Konzerte war, weiß, wie schnell aus einer Bühne ein Kreis wird – und aus einem Abend eine Erinnerung, die bleibt.
Seit über 15 Jahren ist die aus einer Musikerfamilie stammende Songwriterin im deutschsprachigen Raum unterwegs – und längst kein Geheimtipp mehr. Bereits 2011 gewann sie in Geldern den 1. Preis beim Straßenmusikwettbewerb. Ein Jahr später war sie erstmals in Funk und Fernsehen zu
sehen: 2012 stellte der WDR sie als eine der „besten Straßenmusiker*innen“ Nordrhein-Westfalens
vor.
Es folgten zahlreiche Auszeichnungen, darunter 2014 der Förderpreis der Hanns-Seidel-Stiftung sowie 2019 der Förderpreis der Liederbestenliste. Mit ihrem aktuellen dritten Studioalbum „Is’ halt so!“ wurde Cynthia Nickschas 2023 für den Preis der deutschen Schallplattenkritik in der Kategorie Rock nominiert.
Neben renommierten Festivals wie Burg Herzberg, Bardentreffen, Songs an einem Sommerabend oder Tollwood München sammelte sie auch intensive Live-Momente vor den Kameras und Mikrofonen von WDR, BR und Deutschlandfunk. Gemeinsam mit ihrer bis zu siebenköpfigen Band, den „Friends“, spielt Cynthia Nickschas in wechselnden Besetzungen Musik, die sich bewusst jeder Schublade entzieht. Geprägt von Jazz,
Blues und Rock, aber ebenso von klassischen Liedermacher-Einflüssen, entstehen laute wie leise Songs, getragen von einer stimmgewaltigen Sängerin, die mit beeindruckender Präsenz erzählt, berührt und aufrüttelt. Ihre Texte sind aus dem Leben gegriffen – frech, tiefsinnig und fast immer mit einem kleinen, hoffnungsvollen Twist versehen.
Ob solo mit Gitarre oder gemeinsam mit ihren Friends: Cynthia Nickschas versteht es, jeden Raum, jeden Platz zu verwandeln. Sie nimmt ihr Publikum mit auf eine ganz eigene Reise durch Zeit und Raum, durch Melodie, Rhythmus und sehr persönliche Gedankenwelten. Und wenn das Konzert endet, gehen viele mit einem Hauch Salz in der Wunde – aber zugleich mit einem großen Sonnenstrahl im Herzen – nach Hause.
Keith and Stu Xander were discovered on YouTube by former Gibson Brands CEO Henry Juszkiewicz and during their subsequent performances for the company at numerous international events from LA to Dubai, the band caught the attention of not just an ever-growing collective of fans but also industry legends such as Eddie Kramer (Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Kiss, Rolling Stones) and Rick Allen (Def
Leppard).
Defying all expectations, lead singer and guitarist Keith Xander was born without a right arm below the elbow and plays his guitar using a prosthesis and hook with a pick attached at the end. Although many who have seen Keith play believe him to be an extraordinary guitarist in light of his perceived ‘disability’, he is a virtuoso musician in his own right and his playing rivals the best in the industry.
The band had a 5-year tenure as the resident band at Liverpool’s iconic Cavern Club and later went on to support the likes of Joe Bonamassa, Joe Satriani, Manfred Mann’s Earth Band, The Temperance Movement, ex-Whitesnake’s Bernie Marsden and even Bon Jovi at Old Trafford Stadium.
2016 saw the band release their debut album, titled ‘11:11’, on V2 Benelux Records, recorded at the world-famous Wisseloord Studios in Hilversum, outside of Amsterdam. The album went on to receive critical acclaim from the likes of Classic Rock, Planet Rock Radio and BBC Radio’s Bob Harris. Their highly-anticipated second album – ‘Order Out of Chaos’- was released on the 6th May 2022 and received glowing praise and attention from Guitar World, Total Rock Radio and Blues Rock Review.
With haunting riffs, genius melodies and a uniquely infectious charisma, Xander & The Peace Pirates continue to share their musical passion to standing ovations, while spreading a universal message of peace, love and harmony.
Mit Bands wie JOHN LEON & ESCALATION zeigt die neue Generation des Rock eindrucksvoll, was in ihr steckt.
Was für die einen der Inbegriff von Nostalgie ist, trägt die junge Band um Frontmann John Leon mit einer großen Portion Elan, Leidenschaft und frischem Sound in die Gegenwart.
Zukunftsgewandt mit modernem Blick, aber tief im Sound und Stil der 70er-Jahre verwurzelt – was die Band in allen Facetten lebt – gelingt JOHN LEON & ESCALATION der Spagat zwischen Aktualität und Authentizität. So beweist die Band, wie frischer Wind in die Rockszene gebracht werden kann, ohne die Wurzeln des Genres aus den Augen zu verlieren.
Auch hier zeigt sich: Früh übt sich, wer hoch hinaus will.
Die deutsche Rockgröße The BossHoss erkannte das Potenzial der Band und bot ihr im Rahmen der Show „Dein Song“ ein Sprungbrett inklusive gemeinsamer Single.
Seitdem ist die Destination der Band klar: Gegen den Mainstream schwimmend geht es für JOHN LEON & ESCALATION konsequent nach oben.
KANT are
Marius Seidel (Guitar/
Vocals), Elena Strähle
(Bass), Nicolas Jordan
(Guitar) and Bryan
Göbel (Drums)
„Kant is a heavy psychedelic band hailing from the underground music scene of Aschaffenburg, Germany.
Formed in 2020, the band has quickly established itself as a force to be reckoned with in the genre, known for their intense live performances and mind-bending soundscapes. Drawing inspiration from the psychedelic alternative scene of the late 60s and 70s, as well as the heavy metal and doom of the 80s and 90s, Kant creates a unique sound that blends distorted guitars, pounding drums, and swirling melodies with haunting vocals and experimental noise.“ – Adrian Bang (ZUKUNFT)
They create the soundtrack for the 70’s movie inside the listeners mind. The sound accentuates the thoughts of sunny rides over the Sunset Strip of the sixties, a Mexican standoff in a lonely western-town or a dark procession in a rainy forest.
Tune in and Drop out!
Aaron Brooks is an American singer/songwriter from Akron, Ohio and the former leader of the American psychedelic rock band Simeon Soul Charger.
Brooks’s musical style combines the sounds of 60s/70s psychedelic rock, folk, vaudeville, and orchestral music with episodic arrangements and darkly themed lyrics presented behind a flamboyantly clad, mustachioed figure, trimmed from head to toe in a wide-brimmed black hat, bell-bottoms, and cowboy boots resembling a bygone-era Hippie D’artagnan.
Brooks’s band consists of a multicultural blend of musicians including Christian Draghi (IT) on lead guitar/mandolin, Mäx Huber (DE) on drums, Benedikt Wiedemann (DE) on piano/organ, and Martin Frank (AT) on bass guitar. Brooks released his first solo LP, HOMUNCULUS in 2018; an eclectic, cinematic soundscape of psychedelic and orchestral backdrops, gentle balladeering, and Beatlesque polyphonic harmonies.
His much-awaited sophomore album JUGGERNAUT is slated for release this year.
Wir alle kennen das: Das Gute schwebt oft völlig unerwartet heran, wie ein Schmetterling, der urplötzlich und überraschend vor uns landet. So ging es mir, als ich mich an einem Sonntagnachmittag nichts ahnend, aber neugierig auf den Weg nach Thüringen machte, um Nico Walter (Schlagzeug) und Toni Funk (Gitarre) kennenzulernen.
Es brauchte nicht lange und mir wurde schon nach dem ersten Stammtischgespräch klar: Dies ist die Geburtsstunde der Band, die ich immer gründen wollte – der Melanie Hammer Band. Und so ließ ich der Fügung ihren Lauf. Mit Erik Schliewe am Bass hat sich im Frühjahr 2024 eine Combo formiert, die nicht nur menschlich und musisch harmoniert, sondern auch durch die gemeinsame Liebe zu Bluesrock, Folk und Southern Rock stark miteinander verbunden ist.
Mit einer satten Portion Hingabe und Biss macht sich die Band nun auf die Reise, um urige Genres hierzulande neu zu beleben und ihre Botschaften auf den Weg zu bringen. Nach dem erfolgreichen Debüt beim Oettersdorf Open Air 2024 arbeitet die Band aus Erfurt/Dresden nun auch an eigenem Material, mit dem Ziel, Musik zu schaffen, die bewegt und bleibt.
Besetzung:
Melanie Hammer (aka Melanie Age): Gesang, Gitarre, Harp
Toni Funk: Gitarre, Backgroundgesang
Erik Schliewe: Bass
Nico Walter: Schlagzeug, Backgroundgesang
Zwei Gitarren, eine Mundharmonika und eine Stimme – mehr braucht man nicht für ein gutes Konzert!
Hank Davison (Gesang, Gitarre), Lewis Glover (Bluesharp, Gesang) und Johnny O’Hara (Gitarre, Gesang) enthüllen in einer beeindruckenden zweistündigen Show die Wurzeln des amerikanischen Folk, Rock und Blues.
Dabei bedienen sie sich aller möglichen Stile – Blues, Rhythm and Blues, Folk, Country, Rock & Roll, Southern Rock -, dass es
trotzdem homogen wirkt, liegt vor allem an der originellen Interpretation des Trios.
In den 1990er und 2000er Jahren war die Hank Davison Band auf allen großen Bikertreffen der Welt zu sehen. Viele weltberühmte Stars haben die Bühne mit der HDB geteilt und es sind viele langjährige Freundschaften entstanden. Bekannte Rocklegenden wie Dickie Peterson (Blue Cheer), Alvin Lee (Ten Years After), Bobby Kimball (Toto), Glenn Hughes (Deep Purpe) oder Fito de la Parra (Canned Heat) waren schon zu Gast in der Hank Davison Band.
Mit seinen ausgefeilten Shows, seiner beeindruckenden Stimme und seiner unglaublichen Bühnenpräsenz hat „der Altmeister des „Biker-Rocks“ in der internationalen Motorradszene Legendenstatus erreicht. Konzerte vor Tausenden von begeisterten Bikern waren die Regel – die Band war jedes Wochenende auf Tour.
Mit HANK DAVISON & Friends hat sich der Sänger und Gitarrist den Wurzeln des Rock & Roll und Blues zugewandt. Begleitet wird er von LEWIS „the prince of bluesharp“ GLOVER (harp, vocals), einem begnadeten Bluesharpspieler und musikalischen Weggefährten, mit dem Hank seit über 25 Jahren auf der Bühne steht. Mit Johnny O’Hara (Gitarre, Gesang) haben die beiden alten Herren einen Kollegen gefunden, der sich nahtlos in ihren Sound einfügt – ein Gitarrist der Spitzenklasse. Auf der Bühne bringen die drei Musiker Emotionen pur – Folk, Blues und Rock & Roll in seiner
leidenschaftlichsten und urigsten Form.
Dutch songwriter Lotte Walda writes songs to spread positive energy and help create a kinder, more connected world. Deeply inspired by nature and by the music of the sixties and seventies, Lotte feels most at home in the sounds of that era — songs full of warmth, connection and timeless storytelling. Through her music, she hopes to remind people of the light and love that still live in the world. She loves creating catchy melodies that stick with listeners. Blending folk, pop and country, her songs tell heartfelt stories about life, love and staying true to yourself. With her warm voice
and honest lyrics, she aims to touch, comfort and uplift everyone who listens.
Her musical journey began on the old Sint Servaas Bridge of Maastricht near her hometown, where she would fill the streets with her voice and guitar. From those early days, she wanted to “build a bridge that reminds people of the joy within that connects them to their inner child. This curiosity and open-heartedness soon took her on a global adventure. She’s since performed everywhere from the Bluebird Café in Nashville to festival stages across the Netherlands, and even shared her music on the streets of China.
Her journey has taken her to places like Ibiza, Portugal, Colorado and Guatemala — and to the stage alongside legendary artists such as Melanie Safka, Douwe Bob and Will and the People. She continues to draw inspiration from the timeless warmth and connection of sixties and seventies music.
In 2018, Lotte released her debut album Sunflower, produced by Gino Bombrini. The single Let It Flow became a worldwide favorite, reaching over 14 million streams on Spotify. Her second album Dragonfly (2023), made together with Gino and Angelo Bombrini, reflected transformation and growth, inspired by nature and her travels. The album was launched with an 18-piece band in Valkenburg and followed by a national club tour with shows in Paradiso, TivoliVredenburg, Rotown and Luxor Live.
Her album Dragonfly came out on a double vinyl and it includes 18 songs. Her track Stompin’ in the Rain was also featured on a Putumayo world music compilation.
Now, Lotte is working on her third studio album, produced by Angelo Bombrini. This new record draws inspiration from personal stories about coming home and love, creating a warm, intimate and acoustic sound. The album will be followed by a pring 2026 tour across the Netherlands, where Lotte will bring her new songs to life in her most personal way yet.
Dass sie den ein oder anderen musikalischen Trend der letzten Jahre verschlafen haben, ist den Jungs von Midge’s Pocket genauso klar, wie ihre gemeinsame Liebe zur Americana Musik.
Denn ebendort, in den bluesigen Sümpfen, in den Wüsten von Folk und Country und in der gnadenlosen und lebensfrohen Unbeschwertheit der Rockmusik finden die Vier ihre musikalische Inspiration.
Und so pochen Midge’s Pocket bewusst darauf, keine Räder neu zu erfinden, sondern setzen vielmehr auf bewährte Zutaten der alten Schule wie dreistimmigen Gesang, blutauthentisches Songwriting, eine Live Performance, die wie die Studio Platte klingt und den ungezwungenen Geist des Rock & Roll der 70er.
Ihr wollt ein Trio, welches laut, dynamisch, erdig und temperamentvoll ist? – dann solltet Ihr zu einem
THE DOUBLE VISION Konzert gehen!
Die drei Jungs aus Thüringen können 8 eigen produzierte Alben mit ausschließlich eigenen Songs Vorweisen. Die musikalische Orientierung ist dabei sehr vielfältig und geprägt von zahlreichen Stilen, welche die drei Bandmitglieder alle in den großen Topf der Rockmusik schmeißen, gut
herumrühren und mit Kraft, Spielfreude und Herzblut würzen.
Der Name Rory Gallagher steht eng in Verbindung mit der Band, die sich aber keinesfalls als CoverBand versteht – vielmehr ist es die Herangehensweise an die Musik, welche Rory geprägt hat. Die Tatsache, dass Stephan Graf den Gesang sowie die Gitarre bei der Band of Friends übernimmt, spiegelt Anerkennung durch die „oberste Instanz“ wieder. Seit 2020 ist Stephan bei Gerry Mc Avoy´s Band of Friends mit auf Tour durch ganz Europa, was jedem Rory Fan ein Name sein müsste.
Das Öl im Rockgetriebe sind Robert Chudasch am Schlagzeug und Konstantin Hummel am Bass. Durch seine überraschend frischen Schläge gewinnt Robert Chudasch schnell die Herzen des Publikums und zaubert das ein oder andere Lächeln in viele Gesichter.
Die vibrierenden und dynamischen Saiten von Konstantin seinem Tieftöner runden das Ganze als ein
solides Rock-Fundament ab.
Ab 2026 wird für viele Konzerte Frank Tischer am Keyboard/Piano/der Orgel Platz nehmen, was der Band einen zusätzlichen, neuen Sound verleiht. Filigrane Piano Passagen wechseln mit rhythmischem Hammond-Orgel sound und sorgen somit für eine völlig neue Klangcharakteristik der Band.
Diese Rhythmusgruppe peitscht vorwärts, nicht nur Sänger und Gitarrist Stephan Graf reißt dies jeden Abend zu 100% mit, sondern auch das Publikum.
Die Thüringer Blues Rock Band , bekannt für Ihren schweren Delta Röhren Sound, eröffnet am Mittwoch die Jam Session.
DJ Electric Rathouse Records – Schweiz
Aftershow
DJ Bunzel – Deutschland
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